Les mouvements dans la peinture européenne

La peinture médiévale est caractérisée par des thèmes essentiellement religieux, et des enluminures.

La Pré-Renaissance italienne du Trecento (14e siècle) succède à l'art byzantin.

Triptyques et emploi de feuilles d'or. Thèmes issus de la mythographie évangélique.

Giotto (1266-1337),

Il est considéré comme le premier peintre qui annonce la Renaissance.

Giotto propose un espace tridimensionnel, déjà évoqué dans l'Antiquité mais oublié durant le Moyen-âge. Il apporte plus de réalisme  de simplicité et de  netteté.

La Renaissance

Trois découvertes ou inventions participent au renouveau de la représentation artistique : La perspective linéaire, la peinture à l'huile et la gravure.

D'abord italienne, la Renaissance s’étend rapidement en France puis en Europe.

Les sciences naturelles et les grandes découvertes transforment le monde dont  la peinture en est le témoin, les tensions religieuses et politiques ainsi que les troubles sociaux se reflètent dans l’art qui est influencé  aussi par l’Antiquité.

Décoration des murs à fresque et des plafonds, peinture sur bois ou toile.  Sujets mythologiques, paysages  portraits et nus. Utilisation de la peinture à l’huile de lin et de la toile. Peinture sur chevalet. L’art profane se développe. La figure de Dieu s’humanise. Le corps humain est glorifié.

Le Quattrocento (15e siècle)

Pendant le 15e siècle, c'est Florence qui fut le centre incontesté du renouvellement des arts en Italie.

Les cités italiennes dirigées par des familles princières comme les Médicis, jouent un rôle économique et politique important en Europe. Les artistes adaptent leur création aux commandes officielles ou privées.

Début du renouveau pictural avec Masaccio (1401-1428) à Florence qui utilise le premier la perspective (théorie du point de fuite unique). Il prend comme modèle la nature.

Fra Angelico (1400-1455)

Il est connu pour la profondeur spirituelle de sa peinture.

Paolo Uccello (1397-1475)

(La Bataille de San Romano 1435 Musée du Louvre)

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Piero della Francesca (1422-1492)

Masaccio (1401-1428)

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Sandro Botticelli (1445-1510)

(Le Printemps ,1481 - La naissance de Vénus ,1485)

Il recherche le beau idéal et ses personnages sont dotés de grâce et d’élégance. Il utilise les allégories et les symboles. Il réalise également de nombreuses œuvres d’inspiration religieuse dont des Madones.

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Giovanni Bellini (1425-1516)

(Le Doge)

Peintre italien considéré comme le précurseur de l'école vénitienne. Peintre religieux mais ses œuvres effacent la différence entre monde sacré et profane.

Le Cinquecento (16e siècle) ou Haute Renaissance

Vers 1500, le centre de l'art italien se déplace vers Rome et Venise.

Les peintres vénitiens travaillent en famille, représentant de véritables dynasties.

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Léonard de Vinci (1452-1519)

(La Cène ,du réfectoire de Santa Maria delle Grazie, La Joconde ou Mona Lisa -1503 -Monna Lisa Gherardini mariée à Francesco Giocondo d’où son surnom)

Il est à la fois peintre, sculpteur, architecte, ingénieur et scientifique. Son œuvre artistique et théorique témoigne de ses recherches scientifiques. Il s’intéresse à l'anatomie, aux arts militaires, aux inventions issues de l'observation de l'eau, de l'air et des oiseaux, à la géométrie. .Il abolit l'équilibre entre la ligne et la couleur au profit de la modulation chromatique des contours (la technique du Sfumato donne une impression de profondeur).

Michel-Ange (1475-1564)

(Fresques de la chapelle Sixtine)

Sculpteur, architecte,  peintre et  poète il a marqué l'histoire de l'art occidental. Il s’intéresse à la nature humaine.

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Lorenzo Lotto (1480-1556)

(St Roch)

Son œuvre est caractérisée par un grand nombre de portraits de personnages à l'humeur rêveuse et mélancolique.

 

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Raphaël (1483-1520)

(L'Ecole d'Athènes- La Donna Velata)

Il marque l'apogée de la haute Renaissance avec les fresques de la chambre de la Signature. La perfection d'exécution la  grâce et l’harmonie des formes marquent ses œuvres.

Giorgione (1477-1510).

(La Vénus endormie)

Initiateur de la peinture dite bucolique. Univers empreint de rêverie.

Il préfère les masses générales de couleurs et de lumière à la finesse du dessin et du modelé des Florentins : "maniera moderna"  dont Il est l’initiateur avec Titien.  

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Le Titien (1490-1576)

(L’homme en bleu- l’homme aux gants)

Peintre vénitien, dont le rôle fut primordial dans le développement de l'école vénitienne du Cinquecento.  Il achève la synthèse du naturalisme, de la pensée néo-platonicienne et des aspirations nouvelles.

EL Greco (1541-1614)

La libération des formes, la lumière et les couleurs pures, les portraits allongés, une atmosphère surnaturelle caractérisent son œuvre faite de toiles religieuses, de peintures à sujets mythologiques, ou de paysages. On pourrait le rapprocher du maniérisme.

Dans les pays germaniques :

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Albrecht Dürer (1471-1528)

(Melencolia I-1514) (Il y a représenté un carré magique.)

Peintre et graveur allemand humaniste, rompant avec le gothique,  il introduit la Renaissance en Allemagne. Il s’intéresse à toutes les sciences et à la géométrie en particulier (ce qui l’influence dans la perspective et de l’anatomie).

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Hans Holbein (1497 -1543)

Il fuit  la Réforme et en 1532 devient le peintre officiel de la cour d'Angleterre. Portraitiste recherchant derrière les apparences les expressions signifiantes des visages, il cherche à unir aux traditions gothiques les nouvelles tendances humanistes. Son trait est d'une délicatesse et d'une précision uniques. Il a le don de saisir les caractéristiques de son modèle.

La peinture flamande (1420-1580)

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Jan Van Eyck (1390 - 1441)

Célèbre pour ses portraits d'un réalisme minutieux et sa maîtrise de la peinture à l'huile . (innovations techniques des frères Van Eyck)

 

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Jérôme Bosch (1453-1516)

(La Nef des Fous)

Il dépeint la nature humaine avec des créatures étranges et surréalistes construites à partir de gravures de bestiaires du Moyen-âge. (Contexte religieux qui voit l'arrivée de Luther en Allemagne)

Son œuvre peint la hantise de l'enfer, et les défauts de l’être humain  à l’aide de symboles, de mystères et de monstres.

 

Bruegel L'Ancien.jpg Pieter Bruegel l’Ancien  (1525-1569)

Il  dépasse l'art des Primitifs flamands et celui des Italiens. Ses tableaux décrivent  la vie populaire. Bruegel n'a pas représenté de nu et ne s'est que fort peu intéressé au portrait.

 

Le Maniérisme (1530-1610)

(Maniera=style)

Les maniéristes peignent sur le bois, le marbre, l’albâtre… Le Maniérisme se caractérise par la stylisation précieuse des détails, l’utilisation d’allégories, l’illusion dans les fresques décoratives. Les sujets sont surtout profanes et intimistes. Les corps sont déformés.

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Véronèse (1528 -1588)

(Les Noces de Cana –musée du Louvre)

Il peint des oeuvres monumentales, avec de grandes perspectives. Ses peintures sont caractérisées par la composition fondée sur les personnages aux formes opulentes et la magnificence des couleurs. Il est considéré comme le peintre profane par excellence. Dans ses œuvres à sujet biblique il préfère l’émotion au symbole.

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Le Tintoret (Jacopo Robusti) (1518-1594)

(Saint Marc sauvant l'esclave 1548)

Extraordinaire virtuosité, effets de lumière, peintures gigantesques, sujets religieux et mythologiques .

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Giuseppe Arcimboldo (1527 - 1593)

(Têtes Composées – le Bibliothécaire)

Il peint de nombreux portraits allégoriques formés de fruits, végétaux, animaux  ou d’objets. Parfois satiriques, toujours très décoratifs ses tableaux considérés comme de véritables curiosités sont des sortes de jeu de mots visuels redécouverts plus tard par les surréalistes.

Le Classicisme

Sujets nobles à la gloire de l’action humaine s’inspirant de la Bible, de l’Antiquité, et de la mythologie. Utilisation de la perspective. Le dessin domine la couleur. La lumière artificielle vient d’en haut à gauche du tableau.

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Nicolas Poussin (1594-1665)

On l’a surnommé Le peintre des gens d'esprit. Il recherche dans l'Antiquité le beau idéal, intellectuel et moral, la perfection. Il choisit des sujets historiques mythologiques et religieux ayant des paysages comme cadre.

 

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Claude Le Lorrain (1600-1682)

Il peint de nombreux ports imaginaires puis des œuvres plus apaisées, à la lumière uniforme, d'inspiration mythologique ou biblique. "Une beauté calme et sereine..." c'est ainsi que Turner décrit les paysages de Claude le Lorrain.

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Charles Lebrun (1619-1690)

Peintre officiel de Louis XIV, il s'est surtout illustré dans la décoration du château de Versailles et de la galerie des Glaces. Grandes toiles, grands formats sur des sujets comme batailles, mythologie, portraits. Prédominance du dessin au détriment de la couleur.

Le Caravagisme

Irruption du sacré dans des scènes quotidiennes, rai de lumière d’une source extérieure, couleurs chaudes.

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Le Caravage (1571 -1610)

Sobriété des moyens picturaux .Thèmes populaires ou religieux, éclairage contrasté et dramatique. Sa technique du clair-obscur confère une atmosphère presque mystique à ses tableaux. Il préfère choisir ses modèles parmi le people

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Esteban Murillo (1618-1682) espagnol

(Le jeune mendiant)

Naturaliste poétique, grand coloriste, il peint des sujets religieux mais aussi les gens du peuple. 

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Georges de la Tour (1593-1652

(St Joseph charpentier)

Luminisme, couleurs réduites aux bruns et rouges, scènes nocturnes et intimes, simplification des formes, atmosphère de mystère due aux sources de lumière particulières.

Le Baroque

Début du 17e siècle

Peinture décorative, vastes fresques, sujets mythologiques, allégories emblèmes, métaphores, symboles, colorisme et effet de matière.

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Pierre Paul Rubens (1577-1640)

(Le sommeil de 2 chérubins)

Artiste de renom mais aussi diplomate, il peint des figures rondes et sensuelles avec une vraie science des reflets.

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Rembrandt (1606 -1669) hollandais

(La leçon d’anatomie- la partie de musique)

La technique du clair-obscur le caractérise. Les portraits et les autoportraits ainsi que les peintures bibliques et mythologiques sont ses thèmes de prédilection. Il peint  des personnages pleins d’humanité et de compassion.

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Jan Vermeer (1632-1675) flamand(La Dentellière- la Laitière)

Scènes d'intérieurs de la vie néerlandaise du 17e siècle, exécutées  avec une précision objective et en même temps une résonnance poétique, et où la source de lumière est souvent une fenêtre située à gauche. Il crée une atmosphère souvent nostalgique et mystérieuse.

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Diego Velasquez (15991660)

(Las Meninas/Les Ménines, 1656)

Peintre officiel de la cour d'Espagne, il doit  réaliser des portraits de la famille royale. Il fait aussi des portraits d’autres grands personnages européens des nains et bouffons de cour ou même des gens du commun dans des scènes de la vie quotidienne. Il traite aussi des sujets religieux. Il a été surnommé "peintre des peintres par Manet.

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Giovanni Antonio Canal connu sous le nom de Canaletto (1697-1768)

Peintre vénitien célèbre pour ses panoramas de Venise et ses "vedute".

Il est considéré comme un des derniers pratiquants du style de l’Ecole Vénitienne.

Le Rococo

milieu du 18e siècle

Ce qui caractérise ce mouvement ce sont l’instantanéité, les thèmes  champêtres fréquents et les scènes galantes, l’art du plaisir et du raffiné le goût pour le clair.

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Antoine Watteau (1684-1721)

(Gilles 1718, L’embarquement pour Cythère.)

Charme poétique de ses scènes champêtres et galantes, intérêt pour le théâtre et le ballet, collorisme délicat.

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François Boucher (1703-1770)

Scènes pastorales et mythologiques. Il peint un monde idyllique .

 

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Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) italien

Grandes fresques décoratives, éclairage de certaines parties du tableau, couleurs claires faisant ressortir l’impression  de pureté ou de divin.

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Jean-Honoré Fragonard (1732 -1806)

Considéré comme le peintre de la frivolité (scènes de genre)  il a peint aussi de grands paysages inspirés des peintres hollandais, des peintures religieuses ou mythologiques.

 

Le Néoclassicisme

Fin du 18e siècle

S’opposant à une peinture jugée trop charmante et spirituelle il s'inspire de l'Antiquité avec l'idéal de beauté grec et recherche un art plus grave. La symétrie et le rythme  le caractérise. Le trait est plus important que la couleur. Les proportions sont 1/3 - 2/3 dans la composition. Il n'y a pas de perspective. Le néoclassicisme cherche à "imiter". C'est un art didactique qui est au service du pays et du roi. Les sujets des tableaux sont des événements historiques et locaux.

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Dominique Ingres (1780-1867)

(La grande Odalisque – Mademoiselle D'Haussonville- Le Bain Turc 1862)

Il y a d'abord la ligne, le dessin puis les tons du clair-obscur, l'exactitude de la couleur de l'objet et enfin le modelé  Il porte à son apogée l’arabesque des contours, les lignes ondulantes et les déformations. La peinture d'Ingres est idéaliste. Après la chute de Napoléon, il devient le peintre de la Restauration des Bourbons.

 

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Jacques Louis David (1748-1825)

(Le Serment des Horaces- Marat assassiné dans sa baignoire 1793 - L'enlèvement des Sabines- Le Sacre de Napoléon)

Il est considéré comme le chef de file de l’école néoclassique. Ses peintures sont inspirées de l'Antiquité et expriment l'amour de la patrie et l'héroïsme individuel. Membre de la Convention et ami de Robespierre, il devient le peintre officiel de la Révolution.

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Antoine Gros (1771-1835)

(Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa)

Il peint les batailles de Napoléon dont le grand réalisme épique contribue à construire la légende de Napoléon.

Le Romantisme

Début du 19e siècle

Mouvement, couleurs complémentaires et analogues contribuent à l'harmonie. La composition est en diagonale.  Recherche de l'infini dans la nature, nostalgie du passé, expression des sentiments, utilisations de symboles et métaphores caractérisent le romantisme. Les sujets des tableaux sont la mer, le ciel, l'amour le temps et la mort, l'arbre cabalistes, les chevaux, les bateaux ….Le romantisme veut innover, découvrir et étonner.

Goya- Friedrich- Blake- Géricault- Delacroix- Turner- Constable- Runge- Koch- Fussli –Daumier (entre romantisme et réalisme)

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Théodore Géricault (1791-1824)

(Le Radeau de la Méduse 1819- Scène du déluge)

Chantre du désespoir et de la souffrance humaine, Il privilégie les thèmes de la vie quotidienne, qu’il porte au rang de hauts faits héroïques .En 1821, Géricault tombe malade et commence à peindre une série de peintures sur le thème de la folie. Il fait jaillir les figures de la toile. Le mouvement, la couleur sont présents dans ses toiles.

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Francisco Goya (1746-1828) espagnol

(Le 3 mai – Capricios – Saint Antonio de Floride)

Goya est un virtuose des fresques. Pendant sa "période noire" les détails disparaissent  les tableaux sont sombres ; c'est la période de sa maladie. La caricature de Goya décrit la stupidité des hommes représentés par des ânes (En particulier celle des hommes politiques et de ceux qui les ont élus).

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William Blake (1757-1827) (romantisme anglais)

"Dans chaque grain de sable on peut voir le monde entier" dit-il . Il s'oppose au rationalisme, au matérialisme . Ses tableaux sont des métaphores de l'infini .

 

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Caspar David Friedrich (1774-1840) (romantisme allemand)

(Le poète -The Wanderer Above the Mists 1818)

Couleurs contrastées clair/obscur. Symbolique religieuse et spirituelle comme la croix et l’ancre, la lune, ou encore le bateau (symbole de l’âme). Il ya une dimension métaphysique  dans l’œuvre de Friedrich. Dieu est dans la nature qu'il a créée. "L’art est infini, alors que tout le savoir et les capacités de l’artiste sont finis " dit-il.

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Eugène Delacroix (1798-1863)

(Les femmes d'Alger dans leur appartement 1834- La Prise de Constantinople par les Croisés 1841)

Le mouvement, le dynamisme et la diagonale dans ses peintures s'opposent au classicisme. Delacroix abandonne la justesse anatomique et l'illusion de la matière. Il utilise les couleurs complémentaires et analogues. Il recherche l'expressivité. Il voyage au Maroc en Tunisie et en Algérie où il découvre une lumière différente de l'Europe.

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John Constable (1776-1837) (romantisme anglais)

Peintre paysagiste . Délaissant le pittoresque, il s'est attaché à la vie ordinaire rurale .Il étudie beaucoup les jeux de lumière du ciel et des reflets de l’eau par une observation et une expérimentation continuelle.  Il allie la poésie à l'extrême précision, la fraîcheur au soin minutieux apporté aux détails.

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William Turner (1775-1851) (romantisme anglais)

(The fighting temeraire- le déluge- tempête dans la neige-Venise)

Flou brouillard, tempêtes, expression des sentiments qui remplace la réalité. Pas de "focus".

Le Réalisme

Il s'oppose à l'imagination romantique et à l'académisme classique. Le réalisme veut copier la réalité avec précision et une vue sélective et objective (focus). Les peintres réalistes  peignent des scènes de la vie courante, des animaux, des gens au travail à la campagne.

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Courbet (1819-1877)

(Bonjour Monsieur Courbet -l'Atelier-Un enterrement à Ornans)

Il rejette les sujets historiques pour peindre la vie courante. Portraitiste et paysagiste, c’est un "pleinairiste" mais il achève ses tableaux dans son atelier. Il est le maître de la peinture tonale. La lumière diffuse de l'extérieur atténue les formes. Courbet conserve la perspective  et la justesse de l'anatomie mais sans détails ni illusion de la matière.

 

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Honoré Daumier (1808 – 1879)(3e classe dans le train – la Parade des saltimbanques)

Un des plus grands caricaturistes du siècle dernier,mais aussi peintre, dessinateur et sculpteur .Ses sujets comme la politique, la magistrature, les bourgeois, les artistes , les scènes de rue avec le sens de la couleur et du rythme et la puissance plastique des figures . Sa charge contre les célébrités est féroce mais il marque de la compassion pour le peuple.

L'art déco

Né en 1920. Epuration, et géométrisation des formes, compositions équilibrées et symétriques.

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Tamara de Lempicka (1898-1980)

Ses couleurs sont vives et contrastées, en aplats. Ses modèles  sensuelles symbolisent les années folles . Son style est un mélange de néo-cubisme et de renaissance italienne .

 

L’Ecole de Barbizon (19e siècle)

La peinture se fait en plein-air. Le paysage est un thème majeur. L'atmosphère est très lumineuse. L’exode des populations rurales vers les villes correspond à la place prise par le paysan dans l’art.

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Jean-François Millet (1814-1875)

(Les Glaneuses 1857-l’Angelus 1858 Musée d'Orsay)

C'est à Barbizon qu'il va étudier les paysans et la campagne. Il peint avec des tons éteints des silhouettes de travailleurs au crépuscule. Pour lui, le retour à la nature apporte une harmonie à l'homme.

 

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Charles Daubigny (1817-1878)

Il cherche à traduire l’éphémère, la mobilité du moment avec des tons clairs et une touche rapide.

 

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Théodore Rousseau (1837-1867)

Il étudie les effets fugitifs de la lumière et observe les arbres des forêts et les grands horizons.

 

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Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)

(Le pont de Nantes- Le Louvre 1868/70)

Les historiens de l'art ont vu en Corot le précurseur des Impressionnistes, l'inventeur des paysages baignés de lumière détachés de toute anecdote. Paysagiste et portraitiste il utilise la gradation des tons exprimant l'éloignement plus ou moins grand des objets.

 

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Henri Fantin- Latour (1836-1904)

Il prend  ses distances avec le réalisme de Courbet mais ses portraits et ses natures mortes témoignent d’une observation précise de la réalité. Familier des cercles impressionnistes il n’adhère pas au mouvement. C’est en tant que rénovateur du genre du portrait – portraits intimes ou portraits collectifs – que Fantin a pris sa place dans l’histoire de l’art de la seconde moitié du XIXe siècle.

 

L'Impressionnisme

Milieu du 19e siècle - début du 20e siècle

Les impressionnistes recherchent la neutralité l'objectivité. Ils peignent en plein-air. Ils utilisent les couleurs complémentaires et les couleurs changent selon la lumière et le temps. Ils n'utilisent pas la  couleur noire Il n'y a pas de "contour" (sauf chez Manet). Ils peignent des endroits publics et de loisirs : cafés, gares.. Ils prennent des sujets variés comme les cathédrales, les lacs,  les bateaux ou les danseuses. Ils peignent dans l'instant sans pensée préalable ni sentiment profond.

Manet Degas et Renoir s'intéressent d'abord à l'homme. Ils peignent plutôt la vie citadine. Seul Pissarro continue à peindre la vie campagnarde.

 

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Edouard Manet (1832-1883)

(Le déjeuner sur l’herbe-Olympia- -Le balcon-le bar des Folies Bergères)

On le place entre le réalisme et l’impressionnisme. Il utilise le noir contrairement aux impressionnistes. Il peint avec des touches  larges, des simplifications des plans, pas de relief, c’est une peinture fluide et rapide. Manet  expose "Le Déjeuner sur l'Herbe" au Salon des Refusés en 1863, tableau qui fait scandale. Il revendique  l'importance de la vision du peintre par rapport aux règles académiques.

 

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Berthe Morisot (1841-1895)

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Edouard Manet a été son professeur et l’a prise souvent  pour modèle. Elle peint les membres de sa famille, des scènes du bonheur familial, avec légèreté et couleurs claires.

 

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Edgar Degas (1834-1917)

(Danseuses- Femme à sa toilette- Le verre d'absinthe-les blanchisseuses)

Comme Manet, Degas subit l’influence des estampes japonaises avec la tension entre les surfaces claires et les surfaces sombres, il continue à utiliser la ligne qui délimite les plans, les formes. Pour Degas le dessin reste à la base de sa peinture mais sans détails. Il accentue la forme plastique et utilise une liberté de cadrage (Le rapprochement des figures coupées au bord de la toile les rend plus humaines. Il surélève la ligne d'horizon). Il aime peindre le mouvement ainsi que des moments de la vie de tous les jours . Il savent traduire la réalité immédiate.

 

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Renoir (1841-1919)

(Le Moulin de la Galette- Jeunes filles au piano-le déjeuner des canotiers)

C’est dans l’étude de la figure humaine que Renoir applique les principes de l’impressionnisme . Il adopte la couleur pure des impressionnistes mais conserve au début les contours linéaires des corps qu'il abandonnera pour l'utilisation des reflets pour modeler les visages, les nus et aussi la nature. Il ne respecte pas les proportions anatomiques. Il utilise les couleurs pour les ombres et la lumière.

Pissarro Monet et Sisley sont considérés comme les vrais impressionnistes

Ils cherchent à rendre l'intensité de la lumière naturelle. Ils ne peignent pas une vision intérieure mais la réalité visible. Ils accentuent la perspective linéaire.

 

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Claude Monet (1840-1926)

(La gare Saint-Lazare, 1877- Le pont japonais, 1918- Jeunes filles au jardin - Impression soleil levant, musée Marmottan / œuvre qui a suggéré le nom impressionniste – La cathédrale de Rouen,1892 - Nymphéas )

Chef du mouvement impressionniste .                                                                                                           La couleur tonale est remplacée par la couleur pure, principe qui continuera dans toute la peinture moderne. Les ombres ne sont plus sombres ni incolores. L'impressionnisme supprime presque complètement le modelé des objets. Il y a peu de détails à l'avant comme à l'arrière- plan. Il étudie l'influence de la lumière sur le même sujet  à différentes heures de la journée et travaille rapidement pour la saisir (ex. Meules de foin, la Cathédrale de Rouen), Monet vit plus de 40 ans dans sa propriété de Giverny où il  conçoit le jardin comme une œuvre décorative  qui l’inspirera pour ses dernières œuvres. (Le pont japonais, Nymphéas au musée de l'Orangerie).

 

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Alfred Sisley (1839-1899) anglais installé en France

(Passerelle d’Argenteuil)                                                                                                                                               

Peintre exclusivement paysagiste , il peint aussi les rues villageoises ou les cours d'eau parisiens , il peint le jeu changeant de la lumière et des nuages, des lieux paisibles dans une atmosphère de beauté et de légèreté, avec une grande sensibilité .

 

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Camille Pissaro (1830-1903)

(Châtaignier à Louveciennes 1870 Musée d'Orsay)                                                                                            

Peintre paysagiste il possède une grande rigueur dans la composition que l’on retrouvera chez son élève Cézanne. Ses couleurs sont raffinées. Après 1882 il peint aussi des scènes de rue, de marché avec de nombreux personnages, ses couleurs deviennent plus contrastées et il est influencé par la technique divisionniste de Seurat.

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James McNeil Whistler (1834-1903) anglo-américain                                                        

Il est influencé par le mouvement impressionniste il considère la peinture comme une pure expérience esthétique au-delà des valeurs de la représentation. Il s’intéresse à l’art japonais et sa sobriété  dont il s'inspire.

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Walter Richard Sickert (1860-1942) né en Allemagne

Il est l'un des principaux impressionnistes britanniques.

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Mary Cassatt (1844 -1926) américaine

(Enfant-la toilette)

Elle s'inspire des conceptions artistiques de Degas. Elle choisit ses modèles parmi ses proches. Son thème de prédilection est la mère et l'enfant. Elle peint un univers intimiste et bourgeois.

Le Post-impressionnisme

(ou Néo-impressionnisme) (1900-1903)

Il ne suffit plus d'observer la nature l'important est ce qu'il y a derrière le regard. Les peintres post-impressionnistes peignent les paysans et leur vie. Les objets représentent les gens. Simplification  du dessin, effets d'espace en aplats, contenu symbolique.

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Paul Cézanne (1839-1906)

(La Montagne Sainte-Victoire - les joueurs de carte - le viaduc de l’Estaque)

Il est un précurseur, il anticipe le 20e siècle. Il "déforme" ses sujets. Il prend de l'impressionnisme la couleur pure et l'objectivité de l'œuvre. Il refuse de respecter la justesse de la perspective linéaire des impressionnistes. Ils renforcent les plans par un contour linéaire, il juxtapose des plans de couleur clairs et des plans de couleur foncés sans transition. Il utilise des couleurs intermédiaires. Les couleurs analogues permettent de passer de la lumière à l'ombre. Tandis que les coups de pinceau sont  libres chez les impressionnistes, Cézanne donne une direction aux taches de couleur, un rythme aux cubes de couleur et à la composition. Ses sujets sont très divers comme des portraits, des natures mortes, des paysages de Provence. La simplification et la synthèse des formes vont être reprises par les Fauves, l’appréhension de l’objet ou du personnage par divers points de vue sera renouvelée par les cubistes.

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Vincent Van Gogh (1853-1890) né aux Pays-Bas

(L’Estaque, 1878 - Les mangeurs de pommes de terre,1885 : La chambre de Van goghdà Arles, 1888-Le semeur au soleil couchant, 1888 -Autoportrait /L'Homme à la pipe, 1889 la moisson-la chambre)

Autodidacte, il est influencé au début par le réalisme de Millet puis par les tons clairs et la lumière des Impressionnistes, influencé aussi par les estampes japonaises et le mouvement pointilliste, il trouve finalement son style très personnel et sera le précurseur, des fauves et de l’expressionnisme. Il peint la luminosité des paysages méridionaux, avec le "jaune" caractéristique de ses peintures arlésiennes. Dans ses peintures, l'objet peut représenter l'être humain comme chez les post-impressionnistes. En 1889 il entre à l'asile de Saint-Rémy où il trouve de nombreux sujets de peinture. En 1890, il s’installe à Auvers-sur-Oise où sa touche demeure fébrile et mouvementée.

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Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901)(La Goulue au Moulin Rouge1891- la Goulue et Valentin le Désossé, 1895- La Toilette, 1896)

Atteint très jeune d’un mal osseux incurable il reste très petit et fragile. Il profite des plaisirs de la Belle Epoque. Il peint la vie du Moulin Rouge et d’autres cabarets et théâtres montmartrois (comme La Goulue, danseuse de cancan). Il à un sens aigu de l’observation des mœurs parisiennes, avec une grande compassion pour ses modèles et beaucoup d’humour .Il  mélange réalisme et stylisation des formes inspirée du japonisme.

Pointillisme-Divisionnisme

(1900-1906)

Le critique Fénéon crée le terme néo-impressionnisme lors de l’exposition en 1886 du tableau  un dimanche à la Grande Jatte de Seurat.

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Georges Seurat (1859-1891)

(Un Dimanche d'été à l'Ile de la Grande Jatte-une baignade à Asnière)

Créateur du divisionnisme ou pointillisme qui consiste à poser des points de couleurs pures juxtaposés dont le mélange optique  est fait par l’œil du spectateur qui recompose la synthèse des éléments. Il dépasse l’approche intuitive de la peinture des Impressionnistes par une démarche scientifique. La même couleur est différente dans l'ombre et dans la lumière. Ses personnages sont simplifiés et comme figés dans leurs attitudes, baignés dans une étrange lumière, où le temps semble arrêté.

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Paul Signac (1863-1935) (Port de St-Tropez)

La lumière est le plus important. Les couleurs sont éclatantes les lignes sinueuses. Il remplacera plus tard les points juxtaposés par des petits rectangles de couleurs plus fortes qui rendent le tableau plus lumineux.

 

L’école de Pont Aven

(1888-)

Paul Gauguin  abandonne l’impressionnisme et forme cette école avec d’autres peintres qui s’inspirent des estampes japonaises, de l’art populaire (costumes traditionnels, vie bretonne..) et certains du Moyen-âge. Les plans sont simplifiés, la ligne synthétise les formes, les couleurs sont pures et en aplats.

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Paul Gaughin (1848-1903)

(La vision après le sermon ou la lutte de Jacob avec l’Ange, 888 Edimburg - La belle Angèle Musée d'Orsay, 1889 - D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous ? 1897)

Il doit à l'impressionnisme son sens de la lumière de plein air, la luminosité de ses couleurs, et son indépendance à l'égard des conventions. Il est influencé par les arts dits primitifs et les gravures japonaises. La mythologie tahitienne l’inspire. La peinture de Gaughin tend à un retour aux sources. Après un premier séjour en Bretagne où il crée le "Synthétisme"- simplification des formes, il part à la Martinique puis revient à Arles et travaille avec Vincent Van Gogh. En 1889 une nouvelle école se regroupe autour de lui, l'Ecole de Pont-Aven. Gauguin part pour Tahiti  où il va rechercher une nature primitive puis plus tard aux Iles Marquises où il meurt.

Les Nabis

(1888-)

Nabis du mot hébreu-prophète, c’est un courant créé par Maurice Denis, qui cherche à abolir les limites entre l’art décoratif et la peinture sur chevalet et aussi à retrouver les sources pures de l’art, le rêve, la spiritualité et l’intimité. Ils utilisent les arabesques, les surfaces de motifs géométriques  les demi-tons.

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Maurice Denis (1870-1943)

(Régates à Perros-Guirec, 1892- le Printemps 1897 Metropolitan museum of art)

Théoricien des Nabis. Le rythme, la couleur posée en aplats, la composition donnent à ses tableaux une force décorative.

 

 

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Pierre  Bonnard (1867-1947)

(Femmes au jardin ,1891 musée d'Orsay - Le corsage rouge, centre Pompidou)

Il peint des personnages familiers et des scènes du quotidien d’intérieur ou de rue. Il est le premier des nabis à s'intéresser à l'affiche. La synthèse éblouissante entre le fondu de la lumière, les nuances infinies des tons chauds et des tons froids caractérisent sa peinture. Il ne peut s'assujettir au cadre fixé d'avance. Il écrit : "Je travaille toujours sur une toile libre, d'un format plus grand que la surface choisie pour peindre, ainsi je puis modifier". formats allongés graphisme sinueux témoignent de l’influence japonisante.

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Edouard Vuillard (1868- 1940)

(La mère et la sœur de l’artiste- Les jardins publics 1894-le corsage rayé)

Scènes intimistes de la vie quotidienne bourgeoise et portraits. Il a utilisé la peinture à colle posée en larges masses et le carton plutôt que la toile, son habileté à éviter d'utiliser les perspectives ont produit un effet dense , son intérêt s’est porté sur les textures de tissus, des papiers peints et des tapis .

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Félix Valloton (1865-1925) né en Suisse

(Le bain au soir d’été - le ballon)

Formes pures et dessinées. Il va évoluer vers un réalisme simplifié avec un sens très vif de l'observation souvent pessimiste.

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Paul Sérusier (1863-1927)

(Le talisman –l’averse)

Influencé par l’école de Pont-Aven il concentre l’expression et réduit formes et couleurs à l’essentiel. Après la dissolution du mouvement Nabis sa palette change, il n'utilise plus de couleurs pures mais les atténue avec du gris.

Le Symbolisme

(1886-1900)

La peinture symboliste est influencée par la vision poétique et visionnaire des romantiques et donne une place importante au monde intérieur subjectif et psychique. Les symbolistes rejettent le matérialisme d’une société qu’ils voient en déclin. Ils s’inspirent aussi de la mythologie des légendes et des mythes. Ils recherchent l’harmonie esthétique.

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Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898)

(Le Pauvre Pêcheur- 1881, Musée d'Orsay)

Réaction idéaliste au réalisme. Il est dessinateur plus que coloriste. Simplification des masses et des lignes, aplats de peinture qui réduisent le modelé, absences de profondeur, atmosphère poétique, grandes fresques murales épiques et décoratives.

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Gustave Moreau (1826-1898)

(Orphée)

Compositions visionnaires, couleurs riches et chatoyantes. Inspiré par la Bible, la mythologie ou la fable il peint surtout la femme.

 

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Fernand Khnopff (1858-1921)

Peintre, pastelliste, sculpteur, poète. Son monde  intérieur est peuplé de rêves, de silences et de mort où évoluent des créatures semblant venir de l’au-delà.

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James Ensor (1860-1949) belge

(Le banquet -1915- Moma New York)

Il adopte la couleur pure et souligne les lignes horizontales et verticales. Sa peinture est graphique. Son monde est le rêve mais l'ironie se cache derrière une peinture délicate. Il peint des natures mortes. Ses scènes avec des masques sont des critiques caricaturales de la société.

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Odilon Redon (1840-1916)

(Le Bouddha, Femme orientale, Musée d'Orsay)

Grand coloriste.                                                                                                                                                               Il traite des sujets littéraires, fantastiques et visionnaires. Il peint des mondes étranges  et trouve la source de l’inspiration à travers le rêve et l’inconscient.

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Arnold Bôcklin (1827-1901) suisse

Il évoque  la mythologie dans ses paysages mystérieux et sombres.

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Edward Munch (1863 -1944) norvégien(Le Cri ,1893- la Madone)

Il fait le lien entre le symbolisme et l’expressionisme.

"Je veux représenter des êtres qui respirent, sentent, aiment et souffrent "  écrit-il dans son journal en1889. Les  sujets de Munch sont  marqués par sa peur de la maladie et de la mort. L’originalité de son art réside dans un mélange d’éléments pris à l’époque au milieu et à son expérience personnelle.

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Stanley Spencer (1891-1959) anglais

(La résurrection des soldats)

Style mystique, visionnaire.

 

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Vilhelm Hammershøi  (1864- 1916) danois

(Intérieur)

Son travail de la lumière  rappelle Vermeer. Il peint des paysages et surtout des scènes d’intérieur. Ses pièces sont vides ou avec la présence d’une femme vue de dos. Il est difficile de le rattacher à un mouvement artistique.

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Léon Spilliaert (1881 - 1946) belge

Il peint de larges espaces vides ou des autoportraits angoissés à l’aquarelle, à la gouache ou à l’encre. Certaines de ses œuvres confinent à l'abstraction, par leurs structures géométriques. Ses œuvres expriment un sentiment de solitude.

 

L'Art Nouveau

(ou "Jugendstil" pour les Allemands) (1900-1914)

Mouvement de 1890 à 1905 qui s’applique aux arts graphiques à l’architecture et au mobilier.

Extravagance décorative, esthétisme japonisant, stylisation florale. Plages colorées. Trait limitant les formes, répétition des motifs, pas de profondeur dans les compositions.

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Gustav Klimt (1862-1918) autrichien

(Les 3 âges de la vie-portrait de Mada Primavesi) 

Figures décoratives associées à des formes abstraites. Symboles poétiques, ornements inspirés de l’art byzantin, utilisation de l’or et de l’argent.

 

L'Expressionnisme

(1900-1925)

C’est une réaction à l’impressionnisme avec une grande influence des arts primitifs. Les Expressionnistes ne forment pas un groupe comme les impressionnistes, les fauves ou les cubistes. Ce qui les unit  c'est l'identification  d'eux-mêmes avec l'objet représenté. L'artiste traduit ses émotions dans ses paysages ses natures mortes ou ses portraits. Il ne suit pas de règles esthétiques seule compte l'expression.

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Oscar Kokoschka (1886-1980) autrichien

 

(Knight Errant (Der Irrende ritter - Doctor Emma Veronika Sanders1909 museum of modern art N.Y.)

 

Il peint des portraits d'écrivains d'acteurs de musiciens et de danseurs …

Il semble s'identifier à ses modèles. Puis il s'intéresse plus aux choses.

Comme Klimt, Kokoschka se fonde sur des motifs classiques empruntés à la mythologie grecque ou à la religion chrétienne.

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Egon Schiele (1890-1918) autrichien

(Autoportrait aux alkékenges 1912- 4 arbres 1917)

Grand portraitiste il a le génie du dessin, ses personnages sont filiformes et sur des fonds monochromes, une des caractéristiques de son style. Les positions du corps ou des mains sont excentriques. Il peint un grand nombre de nus expressifs.

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Emile Nolde (1867-1956) suisse

(Grands tournesols, 1928)

Il utilise l'exagération ainsi que la simplification afin de peindre un monde magique, primitif.

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Alexeï Von Jawlensky (1864-1941)

(Girl in a Grey Apron, 1909 -Lady in a Yellow Straw Hat, 1910 -Abstract Head 29)

Il se détache de la forme expressive de ses premiers travaux pour trouver un mode de figuration empreint d’intériorité (variations sur le paysage et le portrait). Avec les Têtes mystiques, Jawlensky s’affranchit de la conception traditionnelle du portrait, il les peint toujours plus stylisées avec une frontalité et une symétrie.

 

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Maurice Utrillo (1883-1955)

(La rue des Abbesses, 1910 Museum of Modern Art N.Y.)

Il a peint de nombreux paysages urbains et en particulier Montmartre. Sa peinture inclassable. Il a une période réaliste puis une période blanche et enfin une période colorée plus graphique.

Blaue  Reiter (Cavalier bleu) (1911-1914)  - Die  Brücke (mouvements allemands)

 Ils expriment leurs problèmes personnels et leur révolte face au malaise  économique et social. Ils préfèrent peindre des personnages dans des décors urbains d’une noirceur qu’ils pressentent. Les couleurs sont violentes ou salies, les traits sont empâtés et rugueux. Leurs modèles sont les cultures primitives et le mouvement des Fauves dont ils reprennent les couleurs vives, et les formes simplifiées. L'une des aspirations du mouvement Brücke est d'attirer à lui tous les éléments révolutionnaires.

 

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Ernst Ludwig Kirchner (18801938) allemand

(Rue de Dresden, 1907)

Un des fondateurs du mouvement Die Brücke. Nombreuses gravures sur bois lithographies et eaux fortes. Simplification des traits. Inspiration de l'art primitif. Il peint des scènes de la vie moderne, violemment satiriques.

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Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) allemand

Inventeur du nom Die Brücke, il osa aller le plus loin dans le style et les motifs africains.

 

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Erich Heckel (1883-1970)

(L’étang du village, 1910)

Il est un des fondateurs de Die Brücke .

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Max Pechstein (1881-1955)

Peintre et graphiste, son art a été classé "art dégénéré" en 1933.

 

Le Fauvisme  

(1905-1907)

Utilisation de couleurs pures très lumineuses. Simplification des formes et de la perspective. Influence des arts africain et océanien.

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Henri Matisse (1869-1954)

(Luxe, calme et volupté, 1904 Musée d'Orsay - Harmonie en rouge- 1908- La danse 1909

Chef de file du fauvisme (avec la femme au chapeau en 1905). Ses couleurs sont pures, ses coups de pinceau énergiques. Ses formes sont suggérées par la couleur (et plus par la lumière). Il tire son inspiration de ses nombreux voyages et est profondément marqué par l’esthétique de l'arabesque. Progressivement, il simplifie et géométrise ses formes. Ses dernières œuvres innovantes sont des collages de papiers peints à la gouache.

 

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Maurice De Vlaminck (1876-1958)

(Les arbres rouges 1906)

Autodidacte, il passe de l'impressionnisme au fauvisme. Sa peinture est dense aux touches larges et sûres.

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Georges Rouault (1871- 1958)

Apprenti chez un peintre de vitraux puis élève de Gustave Moreau il reste à l’écart des mouvements picturaux.

De larges traits noirs séparent ses plans de couleur. Il peint les défauts de la société. Puis il se consacre aux thèmes de la mort, de la vie et de la passion du Christ et peint des sujets mystiques ou humbles comme des clowns, des saltimbanques.

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Kees Van Dongen (1877-1968) hollandais (Portrait de Paul Guillaume, 1930 musée de l’Orangerie)

Portraitiste mondain il peint avec raffinement et élégance .il utilise la couleur comme valeur émotionnelle et expressive, ses couleurs souvent fortement contrastées, c’est un précurseur du Fauvisme.

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Raoul Dufy (1877-1953)

(Console jaune aux deux fenêtres, 1948)
Il recherche la simplicité, l’épuration du sujet, les couleurs éclatantes.

"Je fais de la couleur l’élément créateur de la lumière, la couleur à mes yeux n’étant que génératrice de lumière " dit-il. Influencé par le fauvisme , il l’abandonne quand il découvre Cézanne et utilise une composition plus géométrique. Il dissocie le dessin et les couleurs.

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André Derain (1880-1954)

(Port de Collioure)

Peintre, graveur et sculpteur. L'œuvre de Derain est essentiellement picturale il a également signé les décors et les costumes de nombreux ballets.

L'Art Naïf

(1900-1937)

Artistes autodidactes. Sensibilité populaire. Peinture colorée.

Le Douanier Rousseau

 

Henri Rousseau dit Le Douanier Rousseau (1844-1910)

(Le Repas d'un Lion 1907 Metropolitum Museum of Art)

Bidimensionalité, contours nets et détails accentués. Henri Rousseau s'évertue à reproduire ce qu'il voit mais l’exotisme imaginaire et stylisé abonde dans son œuvre. (Les jungles) Ses personnages sont figés le plus souvent inexpressifs.

Le Cubisme

Le cubisme analytique (1909-1912), proche de l'abstraction, multiplie les points de vue et décompose géométriquement.

Le cubisme synthétique (1912 à 1914) introduit les papiers collés.

Le terme cubisme provient d'une réflexion de Matisse qui, pour décrire les paysages de Braque peints à l’Estaque en 1908, parla de « petits cubes » terme repris par le critique d’art Louis Vauxelles.

Le refus de la composition à trois dimensions du fauvisme, la géométrisation des formes de Cézanne, la simplification due à l’influence des arts primitifs africains et océaniens de Gauguin sont repris par les cubistes. La dislocation de la forme - IL n’y a plus de motif Ni de fond, plusieurs points de vue sur un objet dans la même toile et petit à petit un système de signes vont caractériser les tableaux cubistes. Braque et Picasso sont conscients de l’impasse où trop de dislocations rendent le tableau illisible D’abord ils utilisent des lettres du sable … jusqu’à ce que Georges Braque introduise un objet réel dans la toile , en 1912 il fabrique le premier papier collé. Dans la période analytique les gris et les ocres dominent, le cubisme synthétique se manifeste par la réapparition de la couleur. Il utilise des matériaux de récupération ou de décoration. Les sujets sont des natures mortes inspirés des cafés et de la musique. 

Picasso

Picasso

Picasso (Pablo Ruiz Blasco y Picasso) (1881-1973)

(Arlequin ,1915-Les Demoiselles d'Avignon 1907- Guernica)

La période rose (thèmes du cirque ,du zoo...) succède à la période bleue (thèmes de la mort, de la pauvreté...). Sous l'influence africaine et celle de Cézanne , Pablo Picasso donne naissance avec Braque au cubisme en 1907, avec Les Demoiselles d'Avignon. Il cherche à résoudre le problème de l'expression simultanée des apparences multiples d'un même objet en dé composant l'image en plusieurs facettes. Après le cubisme influencé par Cézanne viennent le cubisme analytique puis le cubisme synthétique. Il se rapproche du surréalisme. Ses thèmes vont de la  tauromachie au cirque, des natures mortes à la guerre.

Picasso est célèbre aussi pour ses sculptures et ses céramiques .

Juan Gris

Juan Gris (1887-1927)

(Guitare sur une table 1915 – Arlequin à la guitare)

Adepte du cubisme synthétique son œuvre scientifique en apparence est le fruit d'une imagination plastique extrêmement riche .Il peint avec un éclairage naturaliste et des couleurs fortes. Pour Juan Gris, ce n'est pas le sujet qui commande. A ses yeux le sujet naît lui-même du  tableau qu'il crée. Il a dit : "D'un cylindre je fais une bouteille".

Fernand Léger

Léger

 

Fernand Léger (1881-1955)

(Le Grand Déjeuner 1921 - Le Grand remorqueur 1923 -Les Eléments Mécaniques 1924- Les Loisirs sur fond rouge 1949)

Il veut créer un réalisme non-figuratif en imposant un cubisme  visuel. Les volumes géométriques sont autonomes, créant entre eux un antagonisme dynamique. Il aspire à un équilibre entre les lignes, les formes et les couleurs. Dans ses peintures, la figure humaine reste dépourvue de sentimentalité et semble une machine. Il intègre dans ses toiles tous les éléments du monde qui l'entoure : affiches publicitaires, éléments d'architecture urbaine, signaux ferroviaires. Après la guerre il travaille sur des thèmes sociaux et exécute de nombreuses œuvres monumentales. Plus tard il recompose le visage humain mais les corps sont statiques. Il peint de grands formats. Il anticipe l’art américain du Pop Art. Il donne une vision idyllique de la vie sociale où la technique est soumise à l’homme.

Braque

Georges Braque (1882-1963)

(Le guéridon 1911 musée d’art moderne Paris)

Avec Pablo Picasso, c'est l'un des initiateurs du cubisme.Travaillant d’abord avec des verts, bruns et noirs vers 1928 ses couleurs s’éclaircirent, et la matière devint plus fluide. Il applique les mêmes procédés de géométrisation constructive aux paysages et aux natures mortes. Il représente un même objet sous différentes facettes et la complexité des volumes rend les toiles peu à peu illisibles ce qui l’oblige à y mettre au pochoir des lettres et des chiffres.

Marie Laurencin

Marie Laurencin (1885-1956)

(Jeune fille à la guitare-Appolinaire et ses amis)

Elle fut considérée comme l'égérie de l'art cubiste, la dame du Cubisme, selon le célèbre mot de son compagnon Guillaume Apollinaire. Couleurs raffinées  fluides et tendres, simplification croissante de la composition et des traits, une prédilection pour certaines formes féminines gracieuses, autoportraits, commandes de portraits mondains ou effigies de jeunes filles solitaires.

                                                                           L'art abstrait

Les peintres Kandinsky (abstraction lyrique) Mondrian (néoplasticisme) et Malevitch (suprématisme) s’inspirent du fauvisme  de l’expressionisme et du cubisme mais pour eux la réalité liée à la forme disparaît. De 1920 à 1930 de nouvelles formes d’abstractions apparaissent comme le futurisme ou le rayonnisme puis après la guerre de 45, l’art abstrait devient un phénomène mondial (Op Art, Action Painting, Minimal Art…).

 

Kandinsky

Kandinsky

Wassily Kandinsky (1866-1944) russe

(compositions- Avec l’arc noir, 1912 musées nationaux d’art moderne Paris)

Il écrit que " la forme est l’expression extérieure du contenu intérieur ". Il annonce l’expressionnisme abstrait. Sa peinture  s'affranchit des formes et s'exprime dans la seule dimension du trait, de la tache et de la couleur. Pour la première fois le blanc a le même rôle que les couleurs. Son livre "Du Spirituel dans l'Art" traité théorique sur l'abstraction, lui confère une influence sur l'activité artistique du XXème siècle. Kandinsky recherche l'absolu, il s'adresse à l'âme du spectateur davantage qu'à sa sensibilité. Il recherche l’essence de l’art. L’abstraction lyrique réintroduit l’émotion disparue dans l’abstraction géométrique.

Mondrian

Piet Mondrian (1872-1944)

(New York City, 1942 musée national d’Art moderne Paris)

Très influencé par le cubisme, Il travaille à la fin de sa vie essentiellement avec des couleurs primaires, le blanc lui sert de fond et le noir délimite les couleurs entre elles. Il  structure ses œuvres de manière géométrique (rectangles et carrés) .Son art tend à la matérialisation de l’absolu, une perfection formelle au-delà de la simple représentation.

 

Malevich

Kasimir Malévitch (1879-1935)

(Suprématisme, 1915 - série Carré blanc sur fond blanc,  1918 - L'homme qui court, 1933 centre Pompidou)

Grand maître de l’abstraction, Malévitch est l’inventeur du suprématisme, univers absolu au-delà de l’objet qui s’intéresse à l’origine même de l’existence, loin de toute imitation du monde, formes nouvelles venues de nulle part et qui laissent espérer un monde à construire. Après les rectangles, triangles, cercles lignes et croix aux couleurs limitées, en 1918, il achève son parcours absolu avec une série de Carré blanc sur fond blanc. Le nihilisme russe  auquel Malevitch adhère le pousse  au dépouillement au "rien",  état suprême de la peinture.

Klee

Paul Klee (1879- 1940) né en Suisse

 Il se définit comme un " peintre-poète ". L’influence de l’Orient se retrouve dans sa démarche décorative. L'abstraction géométrique de ses toiles est influencée par le cubisme et l’art primitif .Il incorpore souvent des lettres et des chiffres à ses peintures où la ligne et la couleur prédominent.

Morandi

Giorgio Morandi (1890-1964) italien

(La vie immobile)

Il peint des natures mortes subtiles avec de petites variations de composition et une palette très réduite. Des peintures métaphysiques de ses premières années, aux toiles presque abstraites des années 60, Morandi cherche sans cesse à saisir la réalité dans des objets simples.

Le Futurisme

Le Manifeste du futurisme  désignait la machine comme symbole par excellence de modernité et mythifiait les engins de transport rapide.

Umberto Boccioni

Umberto Boccioni (1882–1916) italien

Sa vision du monde vient de l’observation des innovations modernes et des dernières théories philosophiques et scientifiques, selon lesquelles la nature n’est plus statique, mais fondamentalement dynamique.

Gontcharova

Nathalie Gontcharova (1881-1962) russe

(Les porteuses, 1911)

D’abord influencée par le Fauvisme et le Cubisme, de retour en Russie, elle redécouvre la richesse du patrimoine traditionnel russe et oriental. Elle participe au mouvement futuriste puis à la création du rayonnisme mouvement non-figuratif. Elle est aussi décoratrice de théâtre.

Carlo Carra

Carlo Carrà (1882-1966)

Figure majeure du futurisme au début il évolue vers la peinture métaphysique . C’est un peintre engagé. Il définit les notions d’équivalence et de complémentarisme plastiques.

 
Casoreti Felice Casorati (1886-1963) italien

Il se rallie a la peinture métaphysique . Ses compositions sont géometriques , son style dépouillé.

 

Severini

Gino Severini (1883-1966) italien

Il s’imprègne fortement de cubisme mais l’adapte de façon dynamique .Il  introduit des mots dans l’image et utilise la technique du collage.

 

Sironi

Mario Sironi (1885-)

Il peint des paysages urbains. Après une incursion dans la peinture métaphysique, il revient à son thème de prédilection, la ville, dans lequel s’inscrit le malaise humain et social de l’époque. Il adhère au "Novecento", dont il est un des principaux représentants. Il y défend le retour aux valeurs traditionnelles, aux "valeurs plastiques".

Campigli

Massimo Campigli (1895-1971)

La présence féminine est un de ses thèmes favoris. La vogue du muralisme l’influence dans ses œuvres qui ressemblent à des fresques puis il est influencé par les arts primitifs.

De Chirico

Giorgio de Chirico (1888–1978) italien

(Le prophète)

Précurseur du surréalisme sa peinture est métaphysique, il cherche à  révéler l’aspect caché des choses, " quand elles sont surprises dans leur solitude mystérieuse et leur dépaysement ".

Le Rayonnisme

La peinture, en rendant visible le rayonnement qui lie un objet à son milieu, se détache de la figuration pour n’exprimer que les seules vibrations.

Larionov

Michel Larionov (1881-1964) russe

(Journée ensoleillée)  

Il passe de l'impressionnisme au fauvisme ,puis est un des fondateurs du rayonnisme . Il est un des premiers artistes de l'avant-garde russe .

L’Orphisme (1912-1914)

Il s’inspire du cubisme analytique mais se démarque de l’effet statique et monochrome. Il peint les phénomènes colorés perçus dans la nature. La vibration des couleurs créent le mouvement.

 

Delaunay

Robert Delaunay (1885-1941)

(Fenêtres, 1912 musées d’art moderne Paris -Joie de vivre ,1930 Centre Pompidou)

Il opte pour un cubisme personnel qu'Apollinaire nomme "orphisme". (Du poème Orphée de 1908, qui traite de poésie pure, sorte de « langage lumineux », dans le mythe d’Orphée, la lumière est à l’origine du monde).  Il utilise des couleurs vives et des formes géométriques puisant son inspiration non plus dans les objets extérieurs mais dans la lumière elle-même et la couleur, procréatrices de dynamisme et de forme.

Le mouvement Dada

Mouvement international littéraire et esthétique d’avant-garde qui remet en cause toutes les conventions et contraintes idéologiques, artistiques, cinématographiques et politiques. Révoltés par les conflits dans le monde les Dadaïstes contestent les fondements de la civilisation occidentale et utilisent l’humour le scandale, la dérision. Ils rejettent la raison comme le passé. Ils condamnent le faux  pouvoir de l’art et font d’objets courants des œuvres d’art comme le Ready-made  de Marcel Duchamp. Les dadaïstes utilisent des collages des photomontages des éléments disparates.

 

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (1887 -1968)

(L.H.O.O.Q reproduction de la Joconde ornée de moustaches et d'une barbiche 1919 centre Pompidou – la mariée mise à nu par ses célibataires, 1923.)

Avec le Ready Made il rejette la nécessité de la technique dans l’art. Il se contente de choisir les objets et les exposer. Ainsi il fait disparaître leur signification utilitaire sous un nouveau titre et leur donne un sens nouveau.

Picabia

Francis Picabia (1879-1953) d’origine espagnole

(Udnie ,1913 –C’est de moi qu’il s’agit)

Il prend une part active dans les mouvements d'avant-garde et tous les courants novateurs. Il peint des nus, des toiles naturalistes, figuratives, abstraites, et des paysages. Son art est "mécanique".

 

Kurt Schwitters

Kurt Schwitters (1887–1948) né en Allemagne

(La vache)

Sa peinture est apolitique .Il est individualiste et anarchiste. Il utilise le collage et intégré à ses œuvres tout ce qui est rejeté par la société. Il exercera une très grande influence aux États-Unis, sur le groupe New Dada et sur Robert Rauschenberg, notamment.

Hans Richter

Hans Richter (1888-1976) allemand

(Rythme 23)

Il adhère au mouvement Dada puis  évolue vers une abstraction plus géométrique. Sa peinture quasi "abstraite" se fonde sur l’étude de la décomposition du mouvement En 1919, il peint son premier "rouleau" - suite de onze dessins développant un même thème sur le même support.

 La nouvelle objectivité

Neue Schlichkeit  (1918-1933)

Mouvement allemand, qui vient en partie du mouvement Dada. Il analyse la société contemporaine avec pessimisme .Les sujets sont  la ville industrielle, les mendiants, les mutilés de guerre, les bas-fonds. Froideur des tableaux.

Dix

Otto Dix (1891-1969) allemand

(La journaliste Sylvia von Harden, 1926 musées d’art moderne Paris)

Ce qui l’intéresse ce sont les comportements humains. Il suggère les horreurs de la guerre et critique la société contemporaine. Avec la montée du nazisme il est considéré comme un artiste dégénéré. Il réalise des triptyques comme Triptychon "Der Krieg".

 

Georges Grosz

George Grosz (1893-1959) allemand

L'un des membres important du mouvement dadaïste puis marqué par l’expressionnisme il se joint au mouvement de la Nouvelle Objectivité. Témoin des crises politiques de son temps, incompris de ses contemporains, il dénonce la corruption de la justice et l'hypocrisie de la propagande militaire, il montre la violence du capitalisme industriel qui durcit les rapports entre les hommes. Il a le mieux pressenti l’arrivée du nazisme en Allemagne. 

Beckmann

Max Beckman (1884-1950) allemand (Le libéré)

Objectivité froide de ses toiles où la ville est le miroir d’une société banale. Pour lui l’artiste doit transmettre la réalité de ce qui se joue derrière les illusions du réel. Il réalise de nombreux autoportraits. Il a montré la crise sociale et morale de l’Allemagne des années vingt et dénoncé la monstruosité du nazisme refusant l’anecdote ou le récit. Dès 1915, il modifie son langage pictural. Il fixe dans sa mémoire visuelle les horreurs qu’il découvre. Il dessine les blessés à l’hôpital, les cadavres qui jonchent les champs et encombrent les morgues. En Amérique où il s’installe à 63 ans, ses  coloris sont plus variés et éclatants. Il peint la ville moderne.

 

Nussbaum

Felix Nussbaum (1904-1944) allemand

(Squelettes)

Son œuvre est un vaste chant de mort, allégorique et prémonitoire. Nussbaum a retrouvé  l'intuition majeure de Dante : l'enfer vrai échappe à sa description, il convient donc de le farder afin de le révéler. Il a été déporté à Auschwitz.

Le surréalisme

Magritte

René Magritte (1896-1967) (Le Ciel meurtrier ,1927 - Golconde 1953)                                          

Il y a décalage entre l’objet et sa représentation, pour Magritte la peinture n'est jamais une représentation d'un objet réel, mais l'action de la pensée du peintre sur cet objet. L'image n'est pas la réalité, c'est une illusion et Magritte saisit l'insolite, l'absurde pour provoquer des questions .Ses sujets sont nuages, oiseaux, fenêtres, rochers, pipes, pommes, chapeaux, silhouettes humaines, vêtements, corps de femmes .

 

 

Tanguy

Yves Tanguy (1900-1955)

Paysages minéraux, êtres-objets fascinants, toiles -expression de l'inconscient.

 

Miro

Joan Miro (1893-1983)

(La Naissance du Monde, 1925 Museum of Modern Art de New York - Bleu 1, Bleu 2, Bleu 3, 1961)

Il méprise la peinture conventionnelle et crée un univers fantastique peuplé de symboles étranges. Il désire aller au-delà de l’objet visuel pour féconder l’imagination. André Breton dit de lui : "le plus surréaliste d’entre nous". Ses toiles deviennent de plus en plus abstraites et les formes plus organiques. Il  porte une attention à l’infiniment petit du détail, sans perdre de vue l’infiniment grand de l’immensité spatiale. Il cherche à “atteindre le maximum d’intensité avec le minimum de moyens”.

Dali

Dali

Salvador Dali (1904-1989) espagnol

(Persistance de la mémoire ,1931 Moma)

La mort est une préoccupation constante chez Dali, il peint son subconscient, il applique la méthode "paranoïa critique"(association interprétative et critique des phénomènes délirants) .Pour Dali l’art est un art de vivre. Il cherche à scandaliser et crée son propre personnage excentrique .Il juxtapose des objets banals les déforme, ou les métamorphose d’une manière bizarre (ex : les montres molles). L’élément religieux fait irruption dans l’oeuvre du peintre en 1949 L'histoire et la science deviennent la thématique centrale d'une bonne part de ses œuvres, de grand format pour la plupart.

 

 Max Ernst

Max Ernst (1891-1976) allemand

(L'Eléphant Célèbes, 1921-Ubu Imperator, 1923-histoire naturelle)

Il explore systématiquement les possibilités du collage. Il invente en 1925 le frottage qui fait apparaître des figures plus ou moins imaginaires, puis le grattage du pigment de la toile. Il va à la recherche de ce qui se cache derrière le visible, se plonge dans l'inconscient. Son œuvre graphique est d’une créativité et d’une imagination inépuisables.

Jean Arp

Jean Arp (1886-1966)

(Danseuse1925)

Sculpteur et peintre dadaïste puis surréaliste.

 

 

André Masson

André Masson (1896-1987)

(Tragédie)

D’abord surréaliste  il s’éloigne du mouvement. Il s'inspire d'une nature en perpétuel mutation. Son œuvre témoigne de l'horreur de la première guerre mondiale. Il fait aussi de nombreux décors de théâtre.

Brauner

Victor Brauner (1903-1966)

Des figures chimériques combinant les différents règnes de la nature. Il utilise  la cire, un médium dont il perfectionne sans cesse la technique en alliant la rusticité du matériau et un raffinement dans le traitement de la couleur. Après sa rupture avec le surréalisme en 1948, l’artiste va vers un style toujours plus personnel.

L’Ecole de Paris

L’École de Paris rassemble tous les artistes ayant contribué à faire de Paris le foyer de la création artistique jusque dans les années 1960 .

Amadeo Modigliani

Amedeo Modigliani (1884-1920) italien

(Juan Gris 1915, Jeanne, 1918)

Son art est caractérisé par des formes allongées et parfois déformées.                                                       Ses portraits ont des visages ovales avec l’élongation des cous  des traits expressifs et des lignes sinueuses.

Soutine

Chaim Soutine (1893-1943)

(Le Groom-la raie - le Petit Patissier, musée de l’Orangerie Paris)

Il subit l’influence de Van Gogh mais reste étranger à toute théorie artistique. Pour Soutine, l'essentiel d'un portrait est dans l'expression de l'être humain, le décor n'est qu'accessoire. Déformations dues à son goût de la mort ou du néant, nuances assourdies des couleurs ou palette de couleurs flamboyantes dans un expressionnisme violent et tourmenté.

Chagall

Chagall

Marc Chagall (1887-1985)

(Au dessus de la ville-la mariée)

Son travail laisse une large part à son imagination et ses rêves en cela il se rattache au courant surréaliste. Son œuvre est pleine de références au pays de son enfance, la Russie juive. Il peint son couple survolant sa ville natale Vitebsk. Le violoniste, l’acrobate, les amoureux, la vache, le rabbin sont ses thèmes. Ses toiles sont un témoignage d’une vie juive disparue. Son art est un art de continuité et non de rupture, art témoignant avant tout de l’évolution et des préoccupations spirituelles de l’ensemble de l’humanité. L'inspiration biblique et la tradition hassidique ainsi que la richesse poétique et le merveilleux marquent toute son œuvre. Ses couleurs sont très vives et pleines de légèreté.

Pascin

Jules Pascin- Julius Mordecai Pincas (1885-1930)

Il utilise des couleurs pastellisées, presque irréelles, son thème préféré est le corps féminin, son style est expressif.

Mane Katz

Mané Katz (1894 - 1962)     

(La lecture)

Comme Chagall il s’attache à la représentation du monde juif traditionnel.

 

Foujita

Léonard (Tsuguharu) Foujita (1886-1968) né au Japon

(Un bistrot à St Germain des Prés)

Il a su unir en un art original les sources de la tradition japonaise, avec le modernisme de l'Occident. La subtilité de dégradés, des tons nuageux, la finesse du trait caractérisent son œuvre.

 Wou Ki Zao

 

Wou-ki Zao (1921-) (né en Chine)

Il fait la synthèse de l'art chinois et l’art européen dans ses tableaux non figuratifs, il réalise des empreintes et des calligraphies à l'encre de Chine. Il écrit en 1976 "Ma peinture à propos devient illisible. Natures mortes et fleurs n'existent plus. Je tends vers une écriture imaginaire, indéchiffrable".

Klee

Paul Klee (1879-1940) allemand né en Suisse 

(Ballon rouge ,1922 - Rues principales secondaires)

Ses oeuvres oscillent entre l'abstraction géométrique et l'onirisme. Il se définit comme un "peintre-poète". Klee recherche cette harmonie de la fusion de l'Europe et de l'Orient comme Matisse. Peu à peu il élimine tout ce qui est superflu. On peut varier l'ordre de lecture de ses toiles et prendre ainsi conscience de la multiplicité de ses significations. Le point, la ligne, la touche, les tons, la composition sont les véritables signes du peintre. Klee (grand violoniste) parle de polyphonie aux sujets des couleurs.

Dubuffet

Jean Dubuffet (1901-1985)

Il invente le terme Art brut pour l’art en dehors des normes esthétiques convenues, ou à l’écart de l’enseignement traditionnel. Dans de nombreuses œuvres il utilise des techniques mixtes de peinture à l'huile épaissie avec des matériaux comme le sable, le goudron et la paille, donnant à ses pièces une surface exceptionnellement texturisée et une consistance rugueuse .

L’Abstraction Lyrique

Sorte d'écriture plastique, de calligraphie

Mathieu

Georges Mathieu (1921-)

(Regards de flamme)

Fondateur de l’abstraction lyrique, art libéré de toutes les contraintes et habitudes classiques, Inventeur de calligraphies inédites. Rapidité d’exécution, signes abstraits colorés qui précèdent leurs significations.

Cobra (1948-1951) Copenhague, Bruxelles, Amsterdam 

Mouvement artistique né en réaction à la querelle entre l'abstraction et la figuration.Il se réfère à l'art populaire nordique, à l'art primitif, à la calligraphie orientale , aux dessins d'enfants, à l'expressionnisme ou à l'automatisme surréaliste. Ses artistes veulent une  pluridisciplinarité et réalisent des oeuvres collectives. Ils refusent le  réalisme socialiste  et la spécialisation.

Alechinsky

Pierre Alechinsky (1927-)belge

(Gong, 1967 - raisins)

Il recherche la spontanéité et utilise des matériaux plus rapides et plus souples comme l'encre qui donnent un style fluide et sensible à ses œuvres. Il rejette l'abstraction pure. Il est influencé par la calligraphie orientale. Il crée la peinture  "à remarques marginales", inspirée de la bande dessinée, où l'image centrale est entourée, sur les quatre côtés, d'une série de vignettes destinées à compléter le sens du tableau.

Karel Appel

Karel Appel (1921-2006) néerlandais

(Les enfants interrogateurs- le crocodile qui pleure essaie d’attraper le soleil 1956)

Il utilise des couleurs vives, schématise les traits et privilégie la matière. Il mélange figures infantiles et art abstrait. Ses  œuvres plus récentes sont hétéroclites et volontiers dadaïstes.

 

Jorn Asger

Asger Jorn (1914-1973) danois

Jorn déforme, transforme pour faire surgir des figures imaginaires qui relient l’art populaire aux formes symboliques de la mythologie scandinave.

 

L’Art informel

L'art informel regroupe toutes les tendances abstraites et gestuelles à Paris dans la période de l'après-guerre (1945-1960) : L'abstraction lyrique, le maniérisme, la nouvelle école de Paris, le tachisme. L’imprévu des matières et l’aléatoire du geste le caractérise. L'artiste commence par la fabrication de signes et en donne ensuite le sens. Spontanéité du geste, emploi expressif de la matière, aspect parfois calligraphique.

Harthung

Hans Hartung (1904-1984) allemand(Série "taches d'encre")

Il peint toute une série d'aquarelles informelles. Il entreprend des recherches approfondies sur les rapports de l'esthétique et des mathématiques. Il privilégie le geste spontané, la touche fluide et rapide, et utilise une gamme chromatique réduite aux contrastes prononcés. Plus tard il peint des toiles de taille considérable avec de grandes taches sombres. A partir des années 60, le noir devient la teinte majeure, agrémentée de grattages et incisions aux couleurs acides.

Wols

Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913- 1951) allemand

Représentant important du tachisme et de l'Art informel en Europe il est peintre et photographe.

Soulages

Pierre Soulages (1919-)

Ses premières peintures mono pigmentaires sont fondées sur la réflexion de la lumière par les états de surface du noir. ("noir-lumière" et "outre noir"). Il fait des entailles, dans une épaisse matière noire qui créent à la fois des jeux de lumière. Ses toiles géantes sont souvent déclinées en polyptyques.

 

Stael

Nicolas de Stael (1914-1955)

Il rompt avec la figuration et recourt à la peinture comme matière vivante  La matière est primordiale dans ses œuvres, empâtements et autres superpositions de couleurs le rapprochent des expressionnistes. Cette matière se dilue, se fait opalescence à la fin de sa vie. Ses paysages comme ses natures mortes sont structurées, élaborées géométriquement.

Saura

Antonio Saura (1932-1998) espagnol

(Les sept péchés capitaux-série "Songe et mensonge"- l’orgueil)

Il écrit : " l’art reste, à mes yeux, une tentative de représentation du fait phénoménologique-intemporel par le biais d’une technique subjective …" Influencé par Miro et le surréalisme, il se tourne vers l’art informel. Il crée une nouvelle langue artistique avec le groupe El Paso. Il peint des portraits entre abstraction et figuratif.

Tapies

Antoni Tapiès (1923-) espagnol

Profondément marqué par la guerre civile, Tàpies s'intéresse à la philosophie et à l'art oriental, en particulier à la calligraphie. Ses compositions lacérées et griffées évoquent l'expression d'un monde déchiré. Il utilise de savants mélanges de matières (il intègre le marbre pulvérisé, la terre, le sable ou le latex à la peinture à l'huile), plus tard il intègre des objets dans ses œuvres. L'art informel a eu une influence décisive sur l'évolution de sa peinture.

 

Olivier Debré

Olivier Debré (1920-1999)(Jérusalem ocre rose, 1972 - Rose de Madurai taches vives, Inde 1989 - Pâle rose de Teotihuacan, Mexique 1997)

Ses œuvres atteignent souvent des proportions énormes. D'abord expressionniste, il a une période abstraite dite subjective et à partir de 1960 il qualifie sa peinture d'abstraction fervente où il exprime l’émotion suscitée par la contemplation d’un paysage. La fluidité de la matière étalée en larges champs monochromes ondulés avec des ponctuations de concrétions épaisses et colorées caractérise ses toiles.

 

Hodgkin

Howard Hodgkin (1932-) anglais

(Lunch)

Formes abstraites aux couleurs lumineuses, peinture lyrique.

Nozkowski

Thomas Nozkowski (1947-)

Formes géométriques et biomorphiques.

Art cinétique

Après les mobiles de Calder les tableaux en mouvement d’Agam Vasarely parle d’art cinétique dans son Manifeste jaune.

Vasarely

Victor Vasarely (1906-1997) d’origine hongroise

Fondateur du cinétisme. Il s’intéresse aux déviations de lignes et aux déformations de surfaces régulières créant ainsi l’illusion des formes ou de volumes. La géométrisation des formes élémentaires et une vingtaine de couleurs pures crée des illusions optiques. Il a exercé une influence certaine sur les artistes du Pop Art.

Agam

Yaacov Agam (1928- ) israélien vit en Europe

Autodidacte il invente le tableau transformable à lamelles. Ses peintures présentent plusieurs facettes selon la position du spectateur qui doit se déplacer pour voir toute la composition en transformation. Il dit "L’image doit être un devenir et non pas un état".

Riley Bridget

 

 

Bridget

Bridget Riley (1931-) anglaise

Ses peintures en noir et blanc du début des années soixante sont à l'origine de sa réputation internationale, puis a succédé son intérêt croissant pour la luminosité de la pure couleur auto-générée. La structure visuelle, issue d'éléments basiques et simples, fait apparaître des effets complexes de mouvement, d'espace, de lumière et de couleurs.

 

 

 

Op Art

Elle explore les phénomènes optiques. Elle utilise des éléments semblables et répétés. Ses peintures vibrent. Son travail est méticuleux dans le choix des couleurs dont elle étudie l’interaction. Elle utilise aussi beaucoup le noir et blanc qui créent des illusions de mouvement de la lumière et de l’espace.

Pop Art

Hamilton

Richard Hamilton (1922-) anglais

Il est considéré comme le père du Pop Art anglais. Il stigmatise surtout les clichés du monde des mass media et de la consommation à outrance. Il utilise différents médiums (comme le collage, le montage, la photographie, la peinture, l’installation)

 

 

Caulfield

Patrick Caulfield (1936-2005) anglais

La définition de l’espace par la ligne et de la lumière par la couleur est l’une de ses préoccupations majeures. Les motifs stéréotypés de l’art populaire sont réduits à leurs plus simples éléments linéaires et colorés.

Arte povera

(Art pauvre) Mouvement artistique qui apparaît au milieu des années soixante en Italie et aux États-Unis et se caractérise par l'utilisation de matériaux de récupération et d'éléments divers (fruits, bois, pierre etc.). Son principal représentant est Mario Merz.

Merz

Mario Merz (1925-2003) italien

Ses œuvres sont complexes et symboliques. Avant d'être connu pour ses igloos et ses installations, il a pratiqué, dans les années 50 la peinture. Il y revient à partir des années 70.

 

Manzoni

Piero Manzoni italien (1933-1963) italien

(Achrome)

"L'infini est rigoureusement monochrome, ou mieux encore, sans couleur" dit-il. Ses Achromes sont des tableaux entièrement blancs, faits de matériaux déjà blancs, sans adjonction de signes picturaux.

 

Nouveau réalisme fondé en 1960

Les nouveaux réalistes considèrent le monde comme un tableau. Ils s’approprient la réalité extérieure du monde moderne.

Arman

Fernandez Arman (1928-2005) peintre et sculpteur

Sa peinture est d’abord figurative, puis abstraite, mais il se dégage de cet art , pour lui trop formaliste. Il signe le manifeste du Nouveau Réalisme  . Ses premières peintures, les Cachets, composent des images abstraites à partir d’empreintes d’objets trempés d’encre. Arman veut dénoncer la société , il procède à des  destructions , par exemple par le feu (violons, pianos, fauteuils..), les restes sont exposés dans des structures en plexiglas .

 

Yves Klein

Yves Klein (1928-1962)(Yves, peintures)

Il peint des monochromes (bleu, or et rose). Il écrit : "Le bleu n'a pas de dimension, il est hors dimension, tandis que les autres couleurs, elles, en ont". (Couleur breveté par l'artiste sous le nom International Klein Blue). Il explore la non- matérialité, la couleur étant pour lui intermédiaire entre le corps et l’esprit, le matériel et le spirituel, le visible et l’invisible.

 

Martial Raysse

Martial Raysse (1936-)

(Soudain l'été dernier, 1963)        

Il s'efforce de montrer ce que le "mauvais goût " (ce "rêve d'une beauté trop voulue", dira-t-il) peut receler de magie insoupçonnée et d'émotion. Il restructure en plans décalés, il colore au vaporisateur et au pinceau  des zones arbitrairement délimitées, il ajoute des objets réels. Il est proche du Pop Art américain. A la fin des années 60 il simplifie  la représentation.

L’Ecole de Londres (1960)

Kitaj

R.B. Kitaj (1932_) américain, vit en Angleterre

(Ecriture de passion)

Il donne le nom d'Ecole de Londres à l'ensemble des six artistes qui revendiquent la pratique d'une peinture figurative, réaliste qui dépasse les apparences pour dévoiler la vérité du sujet.

 

Francis Bacon

Francis Bacon (1909-1992) anglais

(Autoportrait)

Bacon situe sa figuration à mi-chemin entre abstraction et représentation Son oeuvre évolue par série (papes, têtes, etc.). Au début la violence expressive de ses œuvres dérange. Puis Bacon abandonne les scènes de violence pour préférer  "peindre le cri plutôt que l'horreur ". " Tous mes tableaux sont des accidents " dit-il. Il fait de nombreux autoportraits, il peint des mondes clos, étouffants. Il  exalte la chair pour mieux rappeler que l’homme n’est pas uniquement un être pensant et donne une "vision sacralisée de l’humain".

Lucian Freud

Lucian Freud (1922- )

(Reflection with 2 children)

Petit-fils de Sigmund Freud, peint surtout des portraits et des nus d'un réalisme qui veut dépasser les apparences. Ses modèles sont choisis parmi ses proches ou ses amis. Ses couleurs froides, parfois verdâtres dérangent.

Auerbach

Frank Auerbach (1931 -)

Peintre figuratif, il peint des portraits et des paysages urbains en utilisant une pâte épaisse.

BMPT (fin des années 60)

Le groupe BMPT, initiales de Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier et Niele Toroni , essaie de faire "table rase" des notions de création et de peinture en pratiquant un geste répétitif dénué de tout fondement artistique. Il refuse de communiquer le moindre message. Il dénonce l'illusionnisme et la mystification de l'oeuvre d'art et son cadre institutionnel  .                          

Buren

Daniel Buren (1938-)

Il peint des bandes verticales alternées blanches et colorées de 8,7 cm de largeur, sur tous les supports moyen d'accentuer le caractère impersonnel de son travail. Il examine non plus seulement les limites physiques de la peinture, mais également les frontières politiques et sociales du monde de l'art. Il passe de la peinture au papier peint et à l'affiche. Peu à peu il développe un travail plus tridimensionnel.

Mosset Olivier Mosset (1944-)

A ses débuts, Mosset peint des toiles portant une ou plusieurs fois la lettre "A", il réalise plus de 200 cercles sur fond blanc puis peint des monochromes (rouge,orange,rose,vert).

 

L’Art conceptuel

Il apparaît en 1967. Le concept devient plus important que l’œuvre.

Fontana

Lucio Fontana (1899-1968) italien

Il est un des premiers à parler d’art conceptuel. A partir de 1949, il commence à peindre des surfaces monochromes en y faisant des trous, puis des incisions pour créer du vide.

 

Fluxus

Courant né en 1961, il affirme comme le dadaïsme que " tout est art ",

Armleder

John M. Armleder (1948-) suisse

Son ambition est de maîtriser toutes les phases de la production artistique : de la création à la présentation et à la diffusion des œuvres.   Il réalise des pièces entre sculpture et peinture.

Ben (1935-) né en Italie

Il met l'accent sur la signification du texte qu'il écrit, et non sur la fonction esthétique de l'œuvre réalisée comme ses slogans manuscrits en lettres blanches sur fond noir. Ben définit lui-même son art comme un " un art d'appropriation". Il signe tout et sur tous les supports et sa signature devient aussi importante que le travail plastique.

Beuys

 

Joseph Beuys (1921-1986) allemand

Il peint d’abord des dessins et aquarelles (des paysages, des figures féminines certains animaux et des figures emblèmatiques) en utilisant des éléments naturels comme des feuilles végétales qu'il intègre au dessin ou des taches de graisse et de cire. Son œuvre est comme un projet existentiel où certains on vu un culte de la personnalité .Il crée des sculptures et des "performances" installations souvent monumentales.

 

Supports-surfaces

Cane

Louis Cane (1943-)

Il est à la jonction de l'abstraction et de la figuration. Il incorpore à ses tableaux des matériaux ordinaires comme de vieilles affiches ou du papier peint.

 

Viallat

Claude Viallat (1936-) 

Il emploie un motif unique dans toutes ses peintures. C'est sa marque d'identité, sa signature.

 

 

Les Mythologies personnelles

Oeuvre - trace de la "mémoire"

Le Gac

Jean Le Gac (1936-)

Il reprend les illustrations favorites de son enfance à l’aide du pastel ou des crayons de couleur.

 

Les années 80-90. Après avoir remis en question  la création artistique, et le concept même de l'art, les artistes rejettent les excès du minimalisme ou de l’art conceptuel des années 70 et se tournent vers les fondements de la peinture en tant que langage et matérialité.

La peinture figurative

Avigdor Arikha (1929-) israélien vit à Paris et Jérusalem

Peintre abstrait, il s'est tourné vers la figuration. Il est à la fois peintre, écrivain, et historien d’art. Dans les autoportraits intenses le corps de l’artiste semble être figé à mi-chemin entre anxiété et sérénité. Il traite de la nudité des objets et des espaces.

Zoran Music (1909-) né en Dalmatie

Déporté rescapé de Dachau il réalisa pendant sa captivité une centaine de dessins décrivant ce qu'il voyait. Plus tard il peint les déserts dalmates et de nombreuses vues de Venise.

Yves Brayer (1907-1990)

(La place des seigneurs à Verone-le village des Baux)

Peintre figuratif, fortement attiré par les paysages méditerranéens, il rapporte de nombreux dessins et aquarelles de ses nombreux voyages.

Jean Carzou (1907-2000)

(Château)

Il est le créateur d’une oeuvre plus dessinée que peinte. Son style inimitable fortement stylisé, fait surgir des perspectives irréelles, des paysages imaginaires.

Théo Tobiasse (1927-)

(Musique des carrefours)

Il trouve son inspiration dans la poésie, les récits mythologiques, juifs et bibliques. Son style lyrique est naïf et très coloré.

 

Claude Weisbuch (1927-)

 

Walter Spitzer (1927-)

Figuration Narrative ou Nouvelle Figuration (années 70)

Mouvement qui s’oppose à la fois à la peinture abstraite, géométrique, cinétique ou informelle et au Nouveau Réalisme.

Hilaire Camille Hilaire (1916-2002)

Monory

Jacques Monory (1934-)

Atmosphères lourdes et menaçantes, tableaux monochromes (surtout bleu) utilisation de photographies et d’images de cinéma.

 

Valerio Adami (1935-)

Les notions d’espace et de profondeur, de relation entre sujet et objet sont entièrement bouleversées, la ligne divise en plans, en figures et objets la toile. Il peint des mises en scènes de couples, issus de la mythologie ou du quotidien. La saturation des surfaces coloriées où ne subsiste aucun blanc caractérise ses tableaux.

 

Gérard Fromanger (1939-)

(Rhizomes peinture café)

L’esthétique hyperréaliste caractérise son œuvre. Il travaille par séries. Il reproduit des clichés pris dans les rues et les investit de ses couleurs.

 
Rancillac

Bernard Rancillac (1931-)

Il introduit dans son œuvre une dimension sociologique et humaniste et une forte critique sociale. Il reprend les images de l’actualité dramatique ou quotidienne du monde et il les transforme. Il emprunte aussi  à la B.D.

 

 

Klasen

Peter Klasen ( 1935-)

Il  explore et réinterprète les signes des  grandes cités, il cherche à dévoiler la face cachée de l'environnement urbain. Il est le maître des contrastes.

 

Arroyo

Eduardo Arroyo (1937-) espagnol

Sa peinture est à la fois polémique et nimbée d'ironie et de lyrisme.

 

Aillaud

Gilles Aillaud (1928-2005)


Il peint presque exclusivement des animaux parqués par lesquels il dénonce l’absurdité de la condition humaine. Il participe aussi à des œuvres collectives.

Cremonini

Leonardo Cremonini (1925-) italien

Il peint des scènes de plages, des scènes d'intérieurs aux couleurs vives, et aux  formes abstraites. Il y a dans ses tableaux une pluralité de lectures possibles.

 
Cueco

Henri Cueco (1929-)

(Le grand méchoui 1972)

Il peint des séries et utilise les moyens techniques des mass média. Il a souvent travaillé par effacement ou par fragmentation .Il s’engage politiquement dans son art. 

 

Recalcati

Antonio Recalcati (1938-)

Ses thèmes d’engagement social sont suivis par des paysages New yorkais. Il s’est intéressé aussi à la céramique.

 

Erro

Gudmundur Erro (1932-) islandais

Il accumule une quantité énorme de matériel, d'images se rapportant à un thème et ensuite il en sélectionne pour en faire des collages, puis des tableaux.

 
Richter

Gerhard Richter (1932-) allemand

Il commence son travail de peinture par la figuration, puis se dirige rapidement vers la réalisation de paysages un peu flous. Il a eu le projet d'utiliser la peinture comme médium de la photographie. Son oeuvre se répartit en peintures abstraites (intitulées Abstraktes Bild) et en peintures figuratives.

 

Les Post-Modernes

Figuration libre (années 80)

Mouvement artistique du début des années 1980, en réaction à l'art minimaliste ou conceptuel. La liberté de représentation  s'inspire des graffitis ou des bandes dessinées.

Combas.jpg

Robert Combas (1957-)

(Plongeur)

Sa peinture parle de la société, de la violence, de la sexualité, de la vie des gens, elle s'inspire du rock, des images populaires, des livres d'enfance.

Jean Michel Alberola (1953-)

Il construit depuis 1982 une mythologie personnelle. Le dessin occupe une place prépondérante. Il utilise la technique de la lithographie et mêle des citations d'origines diverses à des textes autobiographiques.

Garouste

Gérard Garouste (1946-)

(Ellipse-la mouche)

Ce qui l’intéresse c’est le sujet ramené au détail et il cherche à redéfinir un sujet pour la peinture. Sa peinture est figurative et allégorique. C’est un coloriste virtuose. Il déforme les visages dans ses portraits. Il s’inspire de grands textes fondateurs de la culture occidentale et  de textes bibliques

 

Folon

Jean-Michel Folon (1934-) belge

(Au pays des merveilles)

Ses dessins se caractérisent par la pureté de son dessin, la limpidité de ses dégradés, l’humour de ses personnages en lévitation. Son œuvre est poétique.

Tuymans Luc Tuymans (1958-) belge

Peintre surtout figuratif, il se décrit comme un peintre conceptuel, il se base souvent sur des photos pour évoquer une réalité cachée. Il peint presque toujours en série autour d'un thème défini, l'interprétation au second degré devient possible à la vue de l'ensemble.

Trans-avant-garde italienne

"Art de la transition qui utilise toutes les traditions, toute l'histoire de la culture, sans exclusive".

Cannella

Piero Pizzi Cannella  (1955-) italien

(Vase)

La stratification des pigments, la recherche de la transparence des couleurs, l’importance de la lumière et la légèreté de sa peinture le caractérise. Ses oeuvres invitent à la rêverie. Il est un des protagonistes des années 80 d’une certaine redécouverte d’un mode de peinture traditionnel.

Cucchi

Enzo Cucchi (1950-)

(L’elefante di Giotto)

Il s'inspire des légendes qu'il considère comme une forme de réalité. La distortion des perspectives de ses oeuvres en accentue le côté dramatique peint des villes-cimetières et des paysages morts de ses tableaux.

Chia

Sandro Chia (1946-)

Il commence par chercher le "point zéro de la création" puis il s’oriente vers la figuration. Il peint des personnages robustes.

 

Néo-expressionnisme 

Il apparaît au début des années 80

Baselitz

George Baselitz (1938-) allemand

Peintre subversif, il privilégie la déformation, la vigueur de la matière et la vivacité de la couleur. Ses motifs sont souvent exécutés à l’envers. Après son jeu de superposition de la matière, son style évolue dès 1990 vers plus de transparence et de fluidité. On dit qu’il fait partie des Nouveaux Fauves.

 

Polke

Sigmar Polke (1941-) allemand

Il peint des tableaux baroques avec des personnages historiques, imaginaires ou encore allégoriques. Puis il se tourne vers l’abstraction. Il fait des" peintures mécaniques". Il mélange les procédés, et expérimente la matière.

Artistes singuliers

Escher

M.C. Escher (1898-1972) néerlandais

(Dessiner- Le ciel et la mer- Montée et descente)

On ne peut pas classer Escher parmi une catégorie d'artistes, notamment les surréalistes auxquels certains de ses aspects font penser. Il utilise des astuces de perspective , invente de nouvelles représentations spatiales et de nouveaux mondes car on ne perçoit qu'une fraction de la réalité. Le thème de l'infini l’a intéressé.

Toffoli

LouisToffoli (1907-1999)

(La mère et l’enfant)

Peintre de la lumière, il représente les gens tels qu'ils sont, sans fioriture dans la vie quotidienne où il montre son amour pour l'être humain.

 

Kirkeby

Per Kirkeby (1938-) danois

Peintre de paysage inspiré par les lichens, les arbres, l'eau, le ciel  et la terre, Il crée une œuvre minérale abstraite où  il accumule et superpose les formes et les couleurs. Il définit son art comme "art spirituel ".

Paul Rebeyrolle (1926-2005)

Peintre naturaliste il rejette la peinture abstraite et le réalisme socialiste. Son œuvre est marquée par la révolte face à l'oppression ou l'engagement politique.

Tim

Tim né Louis Mitelberg (1919-2002)

Grand dessinateur caricaturiste, observateur politique. Il veut être "témoin à charge". Son œuvre est à la fois polémique et tendre.

 

Kapoor

Anish Kapoor (1954-) indien, vit à Londres

Il se nomme lui-même “peintre - sculpteur”. Son oeuvre s’inspire des traditions culturelles occidentales et orientales.

Peter Doig

Peter Doig (1959-) écossais

Sa peinture est figurative. Il peint de grands paysages issus de souvenirs ou de rêves, souvent lieux abandonnés ou sauvages avec des signes laissés par l'homme qui les traversent. Il s'inspire de différentes sources, photographies, cartes postales pochettes de disques...et travaille la matière.

 

L'Art Numérique et Interactif

Benayoun

Maurice Benayoun (1957-)

Il crée des images de synthèse 3D

 

Sommerer

Christa Sommerer (1964-) et Laurent Mignonneau (1967-)

(Plantes)

Artistes media dans le domaine des installations artistiques interactives. Ils utilisent comme langage la vie artificielle et les processus d’images en évolution.

Ducret

Stéphane Ducret (1970-) suisse

Il crée des images constituées par des centaines de pixels de couleur. Il s’inspire d’objets ordinaires. Ses tableaux abstraits en vinyle évoquent le design contemporain.

 

 

L'Abstraction hyperréaliste

Dabmach

Eric Dabmach

Il utilise tous les moyens créatifs au service de l'expression d'un monde éclaté et violent en quête de méditation métaphysique. Il cherche à peindre des traces du lointain.